Форум » Архив форума » ... и другие наши "солнцы" ;)) - всё-всё-всё о сатириконовцах. ЧАСТЬ 8 » Ответить
... и другие наши "солнцы" ;)) - всё-всё-всё о сатириконовцах. ЧАСТЬ 8
Ирината: "...и другие наши солнцы..." ;)) ЧАСТЬ 1 "...и другие наши солнцы..." ;)) ЧАСТЬ 2 "...и другие наши солнцы..." ;)) ЧАСТЬ 3 "...и другие наши солнцы..." ;) ЧАСТЬ 4 "...и другие наши солнцы..." ;) ЧАСТЬ 5 "...и другие наши солнцы..." ;) ЧАСТЬ 6 "...и другие наши солнцы..." ;)) ЧАСТЬ 7 Ну что ж... Продолжим! Темка-то хорошая!
Локоны: Мосфильм: МАКСИМ АВЕРИН - "МОСФИЛЬМОВСКОЕ ДИТЯ" В 10-ой студии звукозаписи «Мосфильма» проходит речевое озвучивание российского многосерийного фильма «Горюнов» под руководством звукорежиссера Юрия Рейнбаха, обладателя кинопремии «Ника» за работу в фильме «Русский бунт». В основу многосерийного фильма «Горюнов» режиссера Мирослава Малича положены рассказы Александра Покровского, где нашел отражение опыт службы самого писателя на Северном флоте. Картина рассказывает о жизни Павла Горюнова (Максим Аверин), командира атомной подводной лодки. Свою службу он ценит превыше всего, пока он не встречает медсестру Марию, сердце которой пытается покорить. По словам Юрия Рейнбаха, в процессе речевого озвучивания картины принимало участие более 50 человек, среди которых Екатерина Климова, Сергей Мигицко, Фома Петровский, Алексей Шевченков и другие. На кандидатуре Аверина при выборе актеров на главную роль настоял сам продюсер проекта Сергей Жигунов. Нам удалось лично побеседовать с исполнителем главной роли: - Максим Викторович, расскажите, пожалуйста, о процессе создания актерского образа в фильме. Какими качествами, на Ваш взгляд, должен обладать главный герой? - Этот фильм рассказывает об истинном патриотизме русского человека, который бросает все ради того, чтобы защитить Родину. Главный герой - военный, и мне очень нравится играть офицеров российской армии, так как это особые люди. Когда создавался образ, мне пришло в голову, что у него не бывает другой одежды, кроме парадной формы, потому что этот гардероб представляет для него единственно возможную жизнь - службу. Она - его смысл жизни, без которого он себя не представляет. - А насколько этот герой близок Вам? - Этот герой очень близок мне по духу в плане собственного отношения к профессии. Следует действительно уважать и свою профессию, и себя в ней. Именно это является залогом создания внешней и внутренней составляющих образа. К тому же мне очень повезло с режиссером - Мирослав Малич один из тех людей, с которыми мне интересно работать и общаться вне съемок. Он находится с артистом в диалоге, помогая выйти ему на новый творческий виток. - Каковы Ваши впечатления от работы на «Мосфильме»? - Я ведь в каком-то роде мосфильмовское дитя, и свои первые шаги, не только в качестве артиста, но и как человек, делал здесь, поэтому я чувствую себя тут очень комфортно. В стенах «Тонстудии» проходило озвучивание почти всех картин, над которыми я работал: «Жила-была одна баба» Андрея Смирнова, «Магнитные бури» Александра Потемкина и многие другие, - и это для меня как дом родной. Конечно, я застал годы, когда студия погибала, и я очень рад, что она оказалась в руках Карена Шахназарова, человека, способного ее восстановить, ведь многие студии так и не смогли возродиться. Когда человек понимает, что от него зависит территория, ее возрождение, а также люди, которые на ней работают, то он осознает большую ответственность и закладывает максимальное количество сил на осуществление задуманного, особенно, если это касается такой великой студии, как «Мосфильм». Очень хорошо, что она восстанавливается. Съемки картины «Горюнов» проходили в Санкт-Петербурге и Кронштадте. Показ многосерийного фильма планируется в конце года на телеканале НТВ.
Casi: Угадай мелодию (ОРТ, 1995) Играют Алексей Якубов, Елена Бутенко, Сергей Зарубин
Локоны:
Administrator: Из интервью Полины Агуреевой ... — У кого из режиссеров вы бы хотели сыграть? — Мне очень любопытен Юрий Бутусов, я хожу на все его спектакли, на которые могу попасть. Самое ценное в творческой профессии — это возможность и умение создавать свой мир, существующий по собственным законам. И он тем объемнее, чем больше масштаб художника. Я не знаю Бутусова лично, но мне кажется, что он человек, пытающийся сотворить свои миры. И это здорово. Я согласна с Оскаром Уайльдом, который говорил, что искусство реальнее жизни. А еще лучше выразился Иосиф Бродский: в искусстве вещи становятся такими, какими они должны быть на самом деле. На мой взгляд, точная мысль. Я хочу общаться с людьми увлеченными — театром, живописью, чем угодно. Они занимаются творчеством не для того, чтобы кого-то радовать или огорчать, а для того, чтобы мучиться. Не для сна, а для бессонницы. Мне нравится такой путь. Он какой-то сущностный — так можно сказать. ...
Локоны:
Локоны:
бельчонок: Гоголь - центр Событие пройдет: 25 Января Б 26 Января Б 28 Января Б 29 Января Б 30 Января Б Б — Большой зал По мотивам поэмы Н. В. Гоголя "Эта история — проекция «Мертвых душ» на еще одно произведение Гоголя, на «Игроков». То есть ситуация, когда один шулер хочет всех обмануть, а в итоге получается, что другие шулера обманывают его самого. Этот спектакль уже сложился как партитура, композитор Александр Маноцков написал для него музыку, я сделал инсценировку — но в прошлом варианте текст Гоголя звучал на латышском языке, мне очень хочется, чтобы он зазвучал наконец и по-русски. Это такая литература, которую грех не поставить. Вообще книга Гоголя — это ключевой код русской жизни. Все персонажи и типы русских людей сформированы в чертах Коробочки, Ноздрёва, Собакевича, Манилова и прочих. Один из сюрпризов спектакля — кто кого будет играть, состав получается довольно неожиданный. Например, один из ведущих актеров театра, заслуженный артист России Олег Гущин, сыграет Коробочку, а Чичиковым будут молодой американец Один Байрон и московский театральный актер Семен Штейнберг". Кирилл Серебренников, режиссер спектакля Режиссер: Кирилл Серебренников Композитор: Александр Маноцков
Локоны:
Локоны: От зрителя: Моноспектакль Максима Аверина "Всё начинается с любви" 07.11.13 (Санкт-Петербург) Конечно, это очень удобно: что-то делить на главное и второстепенное. События, дела, задачи. Иногда даже людей. Действующих лиц фильмов, спектаклей и книг. Так проще. Понятнее. В некоторых случаях, может быть, и правильнее. Хотя всё-таки очень часто главное и второстепенное становятся невероятно похожими, или вообще – сливаются настолько, что кажутся единым целым, где без чего-то одного никогда не было бы другого. В моноспектакле Максима Аверина «Всё начинается с любви» та самая «тоненькая нить», о которой упоминается в номере «Жизнь моя – кинематограф», – тоненькая нить судьбы каждого из многочисленных персонажей постановки – «сплетается с другими» так, что в какие-то моменты вдруг создаётся впечатление, будто герой на самом деле только один, а содержание исполняемых здесь стихотворений и песен – разные эпизоды жизненного пути одного человека. И это – при безусловной непохожести характеров героев, их поведения, судеб, профессий, возможно, и возраста, а также при всём многообразии найденных артистом способов сценического воплощения поэтического замысла. Пусть это звучит парадоксально, а может быть, и абсурдно, однако очень часто в спектакле переход между соседними номерами действительно оказывается последовательным настолько, что их сюжеты не просто постепенно складываются в единое повествование с общим действующим лицом, но даже выглядят событиями одного дня. Так, стихотворение Высоцкого «Бокал», то исчезавшее, то вновь возвращавшееся в программу спектакля, но всегда исполнявшееся ближе к окончанию действия, в ноябре вернулось в постановку снова, но теперь – в одну из её первых сцен. Номер получил место в цикле, составленном из произведений Вертинского. Цикле, казалось бы, давно оформившемся и устоявшемся, поэтому если ещё и можно было ожидать его расширения за счёт сочинений того же автора, то хотя бы просто представить, что когда-нибудь здесь появится стихотворение другого поэта, пишущего в другом стиле, – вряд ли. Тем более если этот поэт – Высоцкий. Тем более если это – номер, ассоциирующийся с финалом. И теперь два идущих подряд стихотворения – «Я сегодня смеюсь над собой» Вертинского и «Бокал» Высоцкого – оказываются всё же не отдельными историями, совершенно по-разному исполняемыми артистом (в первом номере – минимум сопровождающих чтение текста жестов, движений, звуков при полном отсутствии реквизита, в то время как во втором – музыке, танцу отдаётся довольно значимая роль). Перекликающиеся по настроению и высказанным в них мыслям, они становятся теми двумя естественно продолжающими друг друга и совсем близко находящимся во временном пространстве героя проявлениями сквозного действия. И очень похоже, что героя действительно одного и того же. Разве в прокуренном, вечно гуляющем, гремящем музыкой кабаке хмельно выплясывает не тот же человек, который совсем недавно – возможно, всего лишь пару часов назад – где-то в пустой комнате своего дома вёл монолог наедине с самим собой? Монолог, то ли произносимый вслух, то ли просто звучавший в его сознании: постоянно повторяющиеся фразы стихотворения Вертинского напоминают бегущие по кругу мысли человека – понятные на уровне чувства, но словно так и не сформулированные им до конца. Монолог, полный тоски, ощущения измотанности, разочарования и одиночества – от чего и пытается спрятаться герой после, среди гула ночного празднества. На последних нотах музыкальных произведений, сопровождающих исполнение следующих номеров Вертинского, на сцене полностью гаснет свет – только что пережитое героями (или всё тем же единственным героем?) уходит в темноту, мгновенно превращаясь в воспоминания и становясь прошлым. Хотя очень часто в моноспектакле граница между существующим сейчас, ожидаемым когда-нибудь и давно или недавно завершившимся остаётся почти незаметной. Стихотворение «Piccolo bambino», как и многие другие стихи, входящие в программу спектакля, написано в прошедшем времени. Полностью. Однако его первую часть – о похоронах балерины – артист читает с печалью, но всё же смягчая остроту и напряжение: то есть именно как о давно случившимся. А вторую – о страдании человека, потерявшего любимую, – с драматизмом и накалом времени настоящего: так, что слова «любил» и «был» будто начинают звучать как «любит» и «есть». Но это не потому, что человек живёт прошлым. А потому, что любовь всегда остаётся в настоящем. Вот и уже ставший почти легендой, много лет передаваемой из уст в уста, рассказ о вдохновенных признаниях в любви некогда робкого радиста из стихотворения Рождественского «Восемьдесят восемь» тоже живёт в настоящем времени – как и всякое другое проявление любви. Живёт, потому что постоянно будто бы поддерживается разными – и одновременно такими похожими – новыми историями первых объяснений влюблённых. Ведь если сам способ открыть, наконец, своё сердце ещё может быть оригинальным, то чувства и эмоции здесь всегда оказываются одинаковыми – те, которые передаёт артист в этом номере: смешение волнения – и побеждающей смелости, сомнений – и надежды, осторожности – и настойчивости. Хотя, конечно, этот номер – один из тех, что сталкивает с серьёзными противоречиями в вопросе о наличии в постановке как бы единственного главного героя, поскольку даже здесь их уже два: собственно тот самый радист и воодушевлённый его примером рассказчик. А точнее три: истинно по-женски коварная – сначала лукаво изображающая непонимание, потом кокетливо выражающая согласие радистка, которой и были адресован для кого-то, может, и таинственный, но для неё точно простой и более чем красноречивый шифр из двух восьмёрок, – это ещё одна роль артиста в моноспектакле, и не единственный переданный им женский образ. Не говоря уже о песне «Реальный кукловод», где среди ролей, почти без перехода, одновременно играемых в этом номере Максимом Авериным, легко узнать и собственно кукловода, и его марионеток, но того главного героя артиста здесь будто нет. Никто не встаёт ни на одну из сторон! Отношение к жестокости первого и пустоте вторых слышно в паре фраз, которые произносит артист перед песней. Но ведь известно, что в литературе есть понятие «лирический герой» – то есть некий образ человека, так или иначе проявляющийся в каждом произведении автора. Именно образ – значит, главным здесь, в первую очередь, становится характер и душа, размышления и переживания, мировоззрение в целом. То, что объединяет всех персонажей поэта, помогая создать их общий психологический портрет. И если можно применить такое же определение к спектаклю, составленному из произведений разных авторов, у каждого из которых такой герой – свой, тогда тот самый герой Максима Аверина, будь то клоун или уличный артист, актёр театра или кино, радист или литейщик – это, прежде всего, человек с высокой, не погашенной никакими отговорками о другом времени и изменившихся людях, жаждой жизни, поэтому бегущий не от возможных опасностей и проблем, а от спокойствия и обыденности. Человек пусть разочаровывающийся, но не оставляющий надежду на лучшее, и пусть теряющий, но не перестающий искать. Искренний, светлый, сердечный – радующийся обыкновенным вещам и умеющий радовать других. Способный восхищаться и сострадать, быть благодарным и прийти на помощь. Постоянно с дотошностью разбирающийся в себе и требовательный к окружающим. Сильный, но нуждающийся в понимании и поддержке. И всегда – любящий. А это – и есть самое главное, где ничего незначительного быть не может.
Кука: В Москве вручат Премию Станиславского 2 декабря состоится торжественная церемония Международной Премии Станиславского. На этот раз премия присуждена в девяти номинациях: «За выдающийся вклад в развитие актерского искусства России», «За вклад в развитие мирового театра», «Cобытие сезона», «Мастерство актера», «Вклад в искусство русской сценографии», «Театральная педагогика», «Театроведение и театральная критика», «Театральное дело». Лауреатами стали: артист Алексей Петренко, худрук театра «Thalia» Люк Персеваль, спектакль Юрия Бутусова «Добрый человек из Сезуана», Ксения Раппопорт («Коварство и любовь», МДТ-Театр Европы), Сергей Курышев («Враг народа», МДТ-Театр Европы), Алексей Вертков («Москва-Петушки», СТИ Сергея Женовача), сценограф Станислав Бенедиктов, преподаватель сценической речи в РУТИ-ГИТИС Вера Камышникова, театроведы Екатерина Дмитриевская и Ольга Егошина. В номинации «Театральное дело» награждены Елена Камбурова и директор Рижского русского театра им. Чехова Эдуард Цеховал. Председателем жюри в этом театральном сезоне был художественный руководитель Студии театрального искусства и фестиваля «Сезон Станиславского» Сергей Женовач. В жюри входили: Алексей Бородин, Алексей Бартошевич, Валерий Баринов, Людмила Максакова, Константин Райкин, Олег Табаков, Зейнаб Сеид-Заде, Видмантас Силюнас, Инна Соловьева, Татьяна Шах-Азизова. Вести церемонию, срежиссированную Никитой Гриншпуном, будут артисты Театра Пушкина Александр Арсентьев и Александра Урсуляк. click here
Локоны: Radio Premier: Максим Аверин & Детская студия "Музыкальный фрегат" - "Новогодний снег" Популярный актер Максим Аверин и Детская студия «Музыкальный фрегат» под управлением Андрея Билля к рождественским праздникам записали совместную композицию «Новогодний снег», которая даже взрослым подарит возможность вновь оказаться в волшебной стране под названием Детство, поиграть в снежки, слепить Снеговика и заснуть в ожидании Деда Мороза и подарков! Авторами песни являются: Лора Квинт (музыка) и Ольга Клименкова (слова) ТРЕК
Локоны: Первый канал: "Вечерний Ургант": гости программы - Гоша Куценко и Григорий Сиятвинда ВИДЕО
Локоны: Раменское информагентство: Максим Аверин — Все начинается с любви Осенью в КДЦ «Сатурн» состоялся прекрасный, философски-заряженный спектакль Максима Аверина «Все начинается с любви». Роль в подобных проектах для каждого актера значит что-то свое, сугубо личное. Бурные овации и благодарности после окончания спектакля, которые неизменно сопровождают Максима Аверина на всем протяжении его гастрольного тура, показывают, как сильно он любит профессию, зрителей, окружающий мир и как здорово сумел воплотить в жизнь энергию своей любви. Для публики это настоящий творческий подарок. - Максим, моноспектакль, который вы представили в том числе в нашем городе, называется «Все начинается с любви»… Что он значит лично для вас? - Это моя возможность самовыражения, ведь актерский век недолог. К сожалению, время бежит, и Ромео я уже не сыграю. Но благодаря такому спектаклю, который постоянно видоизменяется, потому что я здесь сам себе хозяин и могу делать все, что хочу, я расту, я проверяю свои возможности, — все-таки два часа держать публику непросто. - Это уже профессионализм. - Да нет, это просто любовь к своей профессии и уважение к публике, которую я действительно люблю и не могу себе позволить халтурить. - «Все о любви» — не первый ваш моноспектакль, раньше вы успешно представляли и другие. - Скорее это была искренняя творческая встреча без купюр, где я что-то читал. Когда, так скажем, возник на меня спрос, я поехал по стране и проводил творческие вечера. Но просто сидеть при этом и отвечать на вопросы и записки, мне кажется, это мелко. Чтобы отвечать на вопросы, это надо заслужить. Я с самого детства любил публично читать стихи. Подготовил сначала минимальную программу, потому что боялся, а вдруг стихи – это уходящий в прошлое жанр. А потом понял, что не могу без этого, и сделал спектакль «Музыкальный конвой». Сейчас у меня рождается идея нового моноспектакля, поскольку я хочу иногда быть хозяином своих мыслей, чтобы выразить то, что меня наполняет, что я чувствую, как себя на сегодняшний день определяю, чем дышу и живу. А это сложно – выразить себя. Но это нужно. По-другому не умею. По-другому не хочу и не могу. - А сценарии своих спектаклей вы пишете сами? - Да, мне это нравится. Я, правда, никогда не читал публично свои стихи, потому что я слишком хорошо знаю поэзию великих классиков и мне неловко читать свою. Но почувствовать, например, Бродского и выразить свои мысли музыкой его строфы, мне кажется, это тоже важная работа. - С каким режиссером вам проще работать? Вообще, какими вы предпочитаете видеть коллег, окружающих людей? - Однозначно мне очень трудно с самим собой, с определением себя. Очень трудно! Потому что я бесконечно «самокопаюсь» и «самосъедаюсь». Мне моря мало – подавай океан, а если есть океан – подавай планету. Мне очень трудно с самим собой, а значит, со мной рядом должен быть человек страстный. Если говорить о режиссере, то он должен быть круче меня, должен быть человеком, за которым я пойду. Лидером, который может за собой повести. Мне трудновато в этом плане. Мне трудно с собой совладать, у меня очень много энергии, и меня надо ограничивать. Я родился в ту эпоху, когда еще работали мастера своего дела, но в основном застал, скорее, эпоху безвременья, когда профессия режиссера по большому счету отсутствует. Это нанятые люди. Не всегда, я не хочу всех обижать! Но чаще всего продюсер диктует, что делать, а режиссер уходит в тень. И от этого я мучительно страдаю и болею. - Какая роль далась вам труднее всего? - Любая роль, которая рождается не в муках, означает, что она была не для тебя. - То есть любая роль дается с какими-то трудностями. - Любая. Например, в октябре на экраны вышел фильм про подводников под названием «Горюнов», где отражен истинный патриотизм, не номенклатурный и плакатный. Люди без гроша, без счастья и благ ежедневно творят подвиг. Работа над этим фильмом была очень трудной, с пролонгацией, со сложными перемещениями. Но я понял в какой-то момент, что все работало на благо именно для создания роли. И когда я стою в тон-студии «Мосфильма» и озвучиваю этот фильм, понимаю, что не зря были и страдания, и муки. Я вижу себя не просто говорящей головой в телевизоре, а я вижу образ человека. Поначалу даже не узнал себя, думаю, странно – мне только вроде бы 38 исполнится, а на экране есть моменты, когда складывается ощущение, что я намного старше. Я сейчас говорю не о внешности, а именно о глубине образа. - Можно сказать, что вы состоялись в профессии… - Нет! Нет! Слово «состоялся» — убийственное слово для актера. Я считаю, что профессия драматического артиста — это та единственная профессия, которая не может определяться словом завершенного прошедшего времени. Потому что, например, артист балета имеет в распоряжении станок для оттачивания движений и может ежедневно проверять на нем уровень своего мастерства. Художнику такую возможность предоставляет рисунок, скульптору – лепка, музыканту – гамма и т.д. Для них это возможность развиваться, набивать руку, оттачивать мастерство. А у драматического артиста нет ни станка, ни партитуры. Его инструмент для творчества – душа, которую он, естественно, должен закалять, воспитывать, мучить, если хотите. - Что входит в ваши ближайшие планы? - Как я говорил, у меня родилась идея нового спектакля… - Но у вас же наверняка несколько идей. - Да, мне сложно, потому что я разрываюсь от мыслей. С другой стороны, я фаталист. Я прекрасно понимаю: ты не чужую жизнь проживаешь, а свою собственную, и нужно сделать все максимально для того, чтобы твоя работа состоялась на отлично. Но если ты понимаешь, что поезд тронулся и ты туда не запрыгнул, пожалуй, это твоя вина. - Вы любите путешествовать? Какое место в мире у вас любимое? - Вы знаете, что у меня есть татуировка? - Нет. Правда? - У меня на спине татуировка, я написал: «Мы там, где мы есть». Только вот спины не хватит, чтобы дописать еще одну важную мысль: «И там, где мы есть, — прекрасно». - В противовес выражению: «Хорошо там, где нас нет». - Это ерунда. Когда говоришь «Хорошо там, где нас нет», это значит, ты себя обкрадываешь. А когда говоришь: «Мне хорошо», ты наполняешь жизнь смыслом. Я влюбляюсь в каждую страну, где бываю. Влюбляюсь в улочки Парижа и также прекрасно себя чувствую на Кубе. Мне везде хорошо, потому что я готов к восприятию и к радости от восприятия этого мира. Ведь жизнь очень короткая. Озлобиться и скукситься человеку проще, нежели научить себя радоваться жизни. Вообще люди неправильно понимают фразу «Полюби самого себя». Что значит полюбить самого себя? Это стремление любить то, что тебе дается, приумножить знания, возможности. Их у человека огромное количество. Ведь кто-то же до нас создавал атом, кто-то же до нас посылал людей в космос. Кто-то же был в космосе, ну почему вы думаете, что вам этого не дано?! Когда говорят «Плохое настроение», я отвечаю: «Включите паралимпийские игры. Когда вы увидите, как люди, лишенные возможности бегать на двух ногах, — бегут, как люди совершают подвиг над тем жребием, который им уготован судьбой, на что вы жалуетесь? На депрессию? Это все ерунда!» - Над какими фильмами, ролями сейчас работаете? В каких театральных постановках может увидеть вас зритель? - Недавно закончилась работа над фильмом «Чарли», где я играю собаку. Идет продолжение третьего сезона сериала «Склифосовский». Сейчас я работаю над новым спектаклем и вскоре приступлю к следующей постановке. Еще мне предложили выступить в легендарном спектакле, не буду пока озвучивать его название, но для меня безумное счастье прикоснуться к этому великому произведению. Это предложение было для меня большим подарком. Ну и, конечно, я буду продолжать гастрольную деятельность, потому что мне приносит огромное удовольствие и радость выходить к своей публике. - Кому можете сказать спасибо за поддержку? - Каждый человек, который входит в твою жизнь, пускай даже привнося в нее негативный опыт, — это учитель. Каждого человека, который был в моей судьбе и принес мне счастье или несчастье, я благодарю. Тех, кто для меня очень много значит, благодарю за то, что я стал лучше, воспитываю и пестую себя ради них. Я благодарю своих родителей за то, что они подарили мне жизнь. Я благодарю своих друзей за понимание и душевное тепло. Я благодарю любовь за то, что она была, есть и будет. Благодарю своих учителей за то, что они сделали меня лучше. Благодарю свою публику за любовь, за теплообмен и за эту энергию. И благодарю Бога. Я никогда ничего не прошу у Господа Бога. Думаю, что у Него достаточно просителей. Пускай же у Него будет парень, который просто благодарит Его за все то многое, что Он мне дает: за знания, за возможность идти вперед, за боль, за радость, за все – спасибо…
бельчонок: Гоголь-центр Один Байрон
Administrator: Рецензия на спектакль "Розенкранц и Гильденстерн мертвы" в Другом Театре. Бесконечное умирание Слышен ли звук падающего дерева, если рядом никого нет? Эта философская загадка настойчиво застревает в голове во время просмотра спектакля "Розенкранц и Гильденстерн мертвы" в Другом Театре. Если вещи для каждого существуют только в его собственном восприятии, то та неуловимая реальность, которую воссоздает на сцене режиссер Павел Сафонов, отзывается в зрителях чем-то до того странным, если не сказать болезненным, что некоторые сбегают в антракте на инстинкте самосохранения. ...Бал здесь правит Актер – предводитель бродячей труппы. Григорий Сиятвинда, в образе не то пирата, не то мима из ада, ловко смещает фокус действия на себя. Эдакий трикстер, знающий ответы, не спешащий открывать карты, чтобы не портить шутку. "Кто это решает? – Решает? Это написано", – говорит Актер, мгновенно меняющий усмешку на лицо "человека, который никогда не смеялся"...
Elena: Театр Наций, 26 ноября "Счастье - это когда тебя понимают" Вышел-таки Аверин на сцену Театра Наций. И не когда-нибудь, а в свой день, в своем спектакле. И как же этот спектакль изменился! Выражаясь научным языком, "сильнейший прогресс и эволюция", причем в кратчайшие сроки. Я вспоминаю этот день год назад: он и тогда уже был восхитителен. Но сегодня... Мощнейший, головокружительный, опьяняющий и одновременно тонкий и ранимый, наполненный самыми разными смыслами и представлениями о жизни. Признаюсь, играл как в последний раз. Спектакль - живое существо, и как всякое живое существо подвержен перепадам настроения, изменениям в характере, появлением новых привычек и привязанностей. У него могут случаться и взлеты, и падения. И как же замечательно, что Максим не только удерживает столь высоко заданную планку, но и постоянно поднимает ее выше и выше. Да, ему это удается. Какими способами? О, вероятно, он один это знает. Но я могу сказать определенно: публика. Это тот необходимый, сильнейший катализатор, в присутствии которого спектакль каждый раз получает новый толчок, рождается заново, и потому он всегда новый и молодой. Это то неотъемлемое условие, без которого артист никогда не раскроется до конца, а уж такой артист, как Аверин, и подавно. У него с в о я публика, с в о й зритель. Любят его. Понимают. И он знает об этом. А что же еще человеку нужно для счастья? "Публика втягивает тебя в свои объятия, открывает свое сердце и поглощает тебя целиком. Ты переполняешься ее любовью, а она - твоей. Потом в гаснущем свете зала ты слышишь шум уходящих шагов. Они еще твои. Ты уже больше не содрогаешься от восторга, но тебе хорошо. А потом улицы, мрак, сердцу становится холодно, ты одна," - это ощущения находящейся в зените славы Эдит Пиаф от боготворящей ее публики. Это так и не так одновременно, как я понимаю. Действительно, триумф - это всего лишь вспышка, мгновение. Артист, познав радость признания и успеха, устраивает банкет, но назавтра все начинает сначала, с азов. Начать с малого. Найти малую жизнь, вычленить ее из всего увиденного, обрадоваться этой жизни и взорвать этой радостью зрительный зал. В этом - весь Аверин. В этом творческое качество и импульсивность его необъятного таланта. И сегодня как никогда он рассказывает необыкновенно ярко, не церемонится со словами, наступает на свои же отколотые мысли и уверенно идет вперед. Большими шагами. Сегодня я воспринимала подаваемую литературу через призму музыки ее сопровождающей. Потому что музыка эта никоим образом не служит фоном, - она помогает достичь той гармонии со стихами, когда выражаемые переживания становятся понятными и оправданными. Уставший от вечного обмана паяц, прячущийся за спинкой стула, - он хочет скрыть свою нескрываемую безотчетную тоску, давно накопленную где-то глубоко внутри и стремящуюся выйти наконец наружу. И тут же, резко, без какого-либо перехода от желания-мольбы Вертинского, вдруг появляется герой Высоцкого из "Бокала". И он так же как и первый стремится всеми силами загасить свою боль: в гудящем кабаке пьяная "Цыганочка" помогает ему забыться. А вот в "Piccolo bambino" музыкальная тема говорит в сущности о бренности жизни и о том, что жизнь и смерть всегда рядом и не стоит бояться последней. Даже несмотря на то что уже ничего изменить нельзя. Но разве может смерть быть сильнее преданного сердца? То-то и оно. В отличие от прошлого года, когда Лора Квинт находилась за роялем на сцене, сегодня она - зритель, и именно ей адресовано посвящение "За кулисами". А это уже вальс - легкий, смелый, искрящийся, кружащий в вихре самых светлых и добрых пожеланий с обязательным обещанием того, что все исполнится и все будет хорошо. "Концерт Сарасате" музыка не сопровождает, а лишь предваряет, - и это понятно, - ведь он сама музыка и есть. И какая! Симфоническая, серьезно настроенная. Я теперь понимаю: эта музыка обвиняет "преступника" в поломанной жизни любящего его человека, который, как ни крути, по-другому жить уже не сможет. Знаменитые "Злые духи" навеяли на меня воспоминания - конечно, воспоминания-ассоциации, опять-таки связанные с услышанной музыкой. Я вспоминаю Марсель. Мой любимый Марсель, в котором бывала не раз, и который люблю намного больше Парижа. Я в Старом Порту. Вечереет; я вижу одинокую пару, устало танцующую танго прямо на улице. Это странное танго: в нем нет ни напора, ни страсти, ни отчаянно сдерживаемого желания. Потому что чувства рассыпались в прах и от них мало что осталось. И ни он, ни она уже не вытянут свои "билетики счастья". Это танго, равно как и письмо героя, хранит лишь наступившее разочарование и образовавшуюся пустоту, даже невзирая на искренние пожелания новой любви предстоящей весной. В отрывке "Гость у Цыгановых" тоже звучит танго, но мне почему-то слышится предвоенная "Риорита", хотя война уже и закончилась. И то, что после хлебосольного застолья задумчивая Цыганова слушает байки из военной жизни - "кто где ранен, где контужен" - лишь усиливает мою ассоциацию. И не только. Доказательством этого тревожного, нехорошего предчувствия станет, собственно, сама "Смерть Цыганова". Тоненькая, скользящая, беспокойная плачущая скрипка, сопровождающая мысли умирающего человека. Она хочет помочь ему отыскать смысл прожитой, уходящей жизни и - не может. Кульминация смерти, освещаемая ярким белым светом, - и тем не менее, это не что иное как утверждение жизни, жизнь продолжается. Протестующая глубоко внутри Цыганова закроет ему глаза; Максим сделает это себе сам. Душевная и умная музыка Микаэла Таривердиева и "Письмо про дождь" - очень интересное решение. Это письмо - чуткое, нужное, - наполненное заботой о любимом человеке, Максим читает с открытым сердцем, и несмотря на "обыденные дожди" весь светится. И, как мне показалось, та же незримая нить проходит в стихотворении "Научи меня жить". Эта нить связывает героя с тем, к кому он обращается со своей жизненно необходимой просьбой. Это совсем не та мольба, как у Вертинского, но от этого она не перестает быть искренней и до боли щемящей. Как Максим умеет передать, донести эти простые человеческие чувства, зарифмованные в стихах, как умеет затронуть, задеть за живое. Очень сильная вещь Высоцкого "Маски", впервые появившаяся в августе, - это агрессивный, воинственный, непримиримый пасодобль, невольно затягивающий героя в странную, даже безумную, пляску. Смятение и страх нарастают с новой силой с каждым четверостишием - так герой боится не найти "настоящего лица" и потерять свое, "разбив его о камни". Конечно, я не могу не сказать о столь полюбившихся "номерах", где среди многих чувств и качеств артиста в создаваемых им характерах хочется особо выделить юмор. Ведь именно юмор сопровождает эти эксцентрические зарисовки; он искрится в слове, жесте, движении его отнюдь не комичных и не легкомысленных героев. Замученная работяга-лошадь, вспомнившая детство, и оттого разом преобразившаяся; герой, вдохнувший любовь и теперь сам готовый любить весь мир; мальчик-радист, отчаянно выстукивающий дробь в надежде достучаться до любимого сердца; незабываемый Иван Козырев, простой, как две копейки, захлебывающийся от радости и рвущийся поделиться ею с другими. Аверин не боится смеха, он знает, что большой человек тем более должен обладать чувством юмора, чтобы нам с ним было легко и свободно. А ведь так оно и есть. "Флейта". Когда-нибудь Аверин доконает меня ею, ей-богу. Прошу прощения. Волшебная, неземная, божественная "Флейта". Да за эту "Флейту" не то что душу - Родину продашь! Я не устаю благодарить Максима за нее, и сегодня такое прочтение... Ух, такого уже, верно, не будет никогда. Какие новые краски смешаны и добавлены, какие новые нюансы найдены и раскрыты! Меня сегодня поразил в этом исполнении жест. И это не просто жесты, продиктованные чисто эмоционально, - это какая-то своеобразная скульптурность всего получающегося на наших глазах рисунка. И Аверин мастерски владеет ею. "Былыми свадьбами ночь ряди", "Веселье из глаз в глаза лейте" - необыкновенные, магические, плавные, очень точные движения рук. "Вывел и велел: люби!" - здесь пластическая выразительность уже несравнимо резка и груба, она не терпит возражений. "Любовь - дар божий" - правда сущая. Вот и поэт ничего не может поделать с этим "даром", кроме как принять его. И в этом его трагедия, потому что дар этот становится для него крестом и наказанием. Непосильным наказанием. "Куда я денусь, этот ад тая..." А вот "Баллада о прокуренном вагоне", закрывающая спектакль, - полная противоположность "Флейте-позвоночник" с ее разрушительными, бушующими страстями. И хотя это тоже настоящая драма, - достаточно вспомнить историю создания этой вещи А. Кочетковым, - но в ней звучит прекрасный жизнеутверждающий призыв, пожелание беречь любимых людей и хранить о них память. Замечательный спектакль. Светлый, светящийся. Немного грустный, но согретый теплотой и любовью, и потому очень обнадеживающий. "Поживем!" - заключил Максим и убежал со сцены. Поживем, и еще как!
Локоны: МК: Макс Аверин уходит под воду Чтобы «вынырнуть» на НТВ в образе командира подлодки Один из самых узнаваемых и харизматичных актеров — Максим Аверин — возвращается на НТВ! Опять он на службе Отечеству, настоящий мужчина и верный товарищ, и офицерская форма ему очень к лицу. На этот раз актер появится в роли капитана первого ранга, командира атомной подлодки Павла Горюнова в приключенческой саге о Северном флоте, заявленной каналом как главная премьера декабря. Многосерийный фильм «Горюнов» снят по мотивам произведений Александра Покровского — писателя, знающего морское дело не понаслышке: и на боевые службы выходил, и звание капитана 2 ранга имеет (его сборник рассказов «72 метра» воплотился в одноименный фильм Владимира Хотиненко). Вот и его Горюнову приходится всегда держать марку, несмотря на свой строптивый и своенравный характер: репутация одного из лучших командиров-подводников Северного флота обязывает. — Я верю, что еще остались офицеры, для которых честь мундира превыше всего, — признается Максим Аверин. — И, как правило, эти люди не сидят в кабинетах, а выполняют свой долг перед Родиной в тяжелых, порой нечеловеческих условиях. Да, они не святые, порой совершают поступки не по уставу, но в жизни они всегда руководствуются своей офицерской совестью. И, работая над ролью, я старался создать именно такой персонаж — бесконечно преданный морю, флоту, профессии, своему долгу и чести. В фильме экипаж Горюнова ждет масса неожиданных ситуаций, будь то поиски американской подлодки-невидимки, освобождение захваченного сомалийскими пиратами корабля или спасение тонущего норвежского судна, из-за чего команда подчинится решению капитана — отклониться от курса при выполнении секретного задания. Поклонницам актера Аверина должна прийтись по душе и другая линия фильма — любовная. В свободное от службы время бравый офицер Горюнов мечется между двумя женщинами — женой Полиной (Юлия Марченко) и «боевой подругой», медсестрой Машей Калининой (Екатерина Климова). Мало того, в этот и без того непростой треугольник совсем некстати вклинивается молодой лейтенант медслужбы Саня Петровский (Митя Лабуш). Как разрешится личная драма героев и не помешает ли она выполнению их служебного долга? Узнаем уже скоро. Музыку к фильму написал известный композитор Алексей Шелыгин, в числе работ которого саундтреки к сериалам «Бригада», «Глухарь», «Карпов». Смотрите новый приключенческий сериал «Горюнов» с 16 декабря по будням в 19.30 на НТВ.
Administrator: Отсюда Гамлет Театр им. М. Н. Ермоловой Автор: Уильям Шекспир Режиссер/Постановщики: Валерий Саркисов Артисты: Александр Петров, Андрей Ильин, Борис Миронов, Агриппина Стеклова, Татьяна Аргунова, Сергей Бадичкин, Кристина Асмус В постановке Валерия Саркисова Гамлет молодого актера Александра Петрова — еще мальчик, попавший в эпицентр страстей, государственных интриг, где каждый вопрос требует ответа «быть или не быть». В «Гамлете» Театра им. Ермоловой пойдет речь о становлении цельной личности. Своего героя — еще мальчика, попавшего в эпицентр страстей, государственных интриг, где каждый вопрос требует ответа «быть или не быть»,— режиссер Валерий Саркисов и художественный руководитель театра Олег Меньшиков увидели в молодом актере Александре Петрове. Каково ему дебютировать в непосредственном сравнении с самим Евгением Мироновым («Гамлет/коллаж» Робера Лепажа в Театре Наций)? Ну не смельчак ли?
Локоны: От зрителя: Моноспектакль Максима Аверина "Всё начинается с любви" 26.11.13 Одна из важных отличительных черт произведений искусства – символика. Одна из важных отличительных черт символа – сочетание узнаваемости и многозначности. Поэтому даже наиболее часто встречающиеся символы сложно называть известными, привычными, традиционными, а уж тем более простыми: считываемые сразу на интуитивном уровне, они не становятся моментально и одновариантно разгаданными. Взять, например, символику цвета. Допустим, красного. Ведь в зависимости от содержания произведения, красный цвет действительно может символизировать практически всё, что угодно – представляя и подчёркивая своим появлением самые разные, порой малосовместимые, а иногда абсолютно противоположные качества, душевные состояния, понятия и события: мужество или женственность, радость или отчаяние, любовь или ярость, праздник или смерть. То, что, в свою очередь, может быть показано и с помощью других цветов (любовь – с помощью белого, смерть – чёрного). Но в то же время красный цвет – броский, насыщенный, кричащий – всегда признак того, что любые эти проявления, также как и связанные с ними чувства человека, в данный момент находятся в наивысшей точке своего развития. В моноспектакле Максима Аверина «Всё начинается с любви» цвет, выбираемый для светового оформления многих номеров, также как и цвет некоторых предметов реквизита, тоже приобретает значение символа. Основных таких цветов – два. Первый – именно красный. Первый хотя бы потому, что он появляется в номере, который находится внутри сцены, открывающей спектакль – это «Бокал» Владимира Высоцкого. Один из основных – потому, что, становясь своеобразной характеристикой стихотворений и песен из разных частей постановки – включая не только первую, но и финальную, – он охватывает программу всего вечера. И это притом, что появление в моноспектакле красного цвета не так часто в принципе, и не так часто, как это, казалось бы, могло быть. Собственно, этих появлений – четыре. Они не связаны лишь с одной темой и почти никогда не дублируются в стихах или песнях, близких по содержанию. Так, «Смерть Цыганова» – в спектакле далеко не единственное стихотворение, в котором говорится о смерти, но, тем не менее, его единственный номер, в котором эта тема раскрывается в том числе и через использование красного цвета: ведь решение просто свести задачу в оформлении таких номеров только лишь к обозначению смерти как свершившегося события или как события, которое скоро случится – что уже содержится и в самом тексте, и даже во многих названиях стихотворений, – пожалуй, стало бы слишком предсказуемым и потому маловыразительным путём. Нет – здесь как раз и отражается столь свойственное символу сочетание нескольких идей и образов. Вот и в стихотворении Давида Самойлова экспрессивная передача растущего чувства неизбежности сливается воедино с почти буквальной иллюстративностью: красный свет театральных прожекторов появляется совсем ненадолго – на строчках из последней строфы стихотворения – и будто рисует ту утреннюю зарю, которую уже не видит герой. Сливается, одновременно символизируя с одной стороны – смерть человека, с другой – рождение и красоту нового дня, завершение одной жизни – и продолжение жизни вообще. Таким образом, красный свет усиливает трагедию истории, показывая личное горе на фоне естественного, ничем не нарушаемого течения времени. Неслучайно же именно эти две фразы – об обычно начинающемся утре – в исполнении артиста звучат как кульминационные. Наверное, появление красного в этом номере можно объяснить ещё и самим местоположением стихотворения в программе – оно исполняется в её заключительном разделе, что уже само по себе ассоциируется с применением наиболее ярких, наглядных способов передачи всех сюжетов, настроений и тем, которые развиваются на протяжении спектакля. Как от номера к номеру развивается и накапливается чувство эмоционального надрыва – то, что во время чтения артистом стихотворений «Бокал» Высоцкого и «Скрипка и немножко нервно» Маяковского также подчёркивается преобладанием в освещении красного оттенка. Он заполняет собой сцену с первых и до последних секунд каждого из этих двух номеров: будто в противовес музыке первого – сразу придавая тяжеловесности её плясовому ритму и добавляя к определению возможного впечатления о ней как о веселящей и удалой оговорку «вроде бы», – и наоборот: совершенно созвучно характеру нервной, резкой, угловатой, сплошь состоящей из колючих разорванных фраз мелодии второго. И пусть в обоих сюжетах ещё нет собственно трагедии в прямом значении этого слова, но как раз красный свет – тревожный, напряжённый, призывный – уже даёт сигнал, как минимум, о трагичном настрое, предвосхищая эмоции, что проявятся в актёрском исполнении, а также предвосхищая другие стихотворения, в которых похожие ощущения будут переданы уже не просто без применения красного цвета, но часто и без каких бы то ни было дополнительных средств оформления вообще – только игрой. Это и происходит в стихотворении «Хорошее отношение к лошадям». Ни то, что оно звучит сразу после другого произведения Маяковского – «Рассказ литейщика Ивана Козырева о вселении в новую квартиру» – всегда исполняемого Максимом Авериным под почти непрекращающийся смех зала, ни то, что в нём артист использует множество приёмов, казалось бы, рассчитанных на похожую реакцию публики – артист показывает паясничающих, прихрюкивающих от хохота уличных прохожих, – не сбивает с истинно заложенного в этом стихотворении чувства одиночества и боли. Напротив, только усиливает его. Красный цвет мог бы сопровождать и любое произведение моноспектакля, написанное о любви. А значит – просто каждое произведение, входящее в программу. Но сопровождает тоже лишь один его номер – ноябрьскую премьеру: песню на музыку Лоры Квинт «Amor, amor». И опять же не только потому, что это – танго: танец, который, как и сам красный цвет, давно стал почти синонимом к слову «страсть». Длинное красное полотно ткани, появляющееся в руках артиста во время проигрыша между куплетами, символизирует и любовь героя песни, и тех самых его «печалей большой платок» – оттого, что любовь из сердца не ушла, но, тем не менее, осталась в прошлом. И, конечно, образ любимой женщины – только в наряде уже не лиловом, как это было во время их встреч, а именно в ярко-красном. Роковом – не в смысле классического представления о роковой женщине (вряд ли так можно назвать героиню с тем «беззащитным взглядом», о котором вспоминает персонаж) – а, скорее, в смысле её влияния на судьбу героя: живущим с ощущением внутренней опустошённости после расставания с ней. А те два коротких танца с платком в руках превращаются в танец вдвоём. Танец чувственный, динамичный и технически точный настолько, что для зрителей не забыть о том, что присутствие на сцене партнёрши всего лишь иллюзорно, пожалуй, даже сложнее, чем поверить в её реальность. Танец, в который переходит энергия исполнения куплетов песни – сдержанная, но оттого ещё более остро ощущаемая в тихо поющемся артистом первом и бурная, уже совсем безудержная во втором, – переплетаясь в тот же момент с теплотой, нежностью и грустью исполнения её припевов. Но в спектакле есть и ещё один важный с точки зрения символичности цвет. Этот цвет – белый. Цвет чистоты, тоже – любви и надежды. Цвет роз, которые дарит Максим Аверин зрительницам, сидящим в зале, во время исполнения «Песенки о хорошем настроении» и той розы, которую он дарит одной своей гостье в конце песни Вертинского «За кулисами». Цвет, который становится главным на последних минутах вечера – в финале сцену окутывает снег, словно заметая запутанные следы печалей, разочарований, отчаяния и даря возможность проложить себе новый путь, начав всё с начала. Но даже если этот снег в спектакле не идёт – не по задумке, а по техническим особенностям театральной площадки – у зрителей всё равно создаётся ощущение светлого настроя с верой в жизнь. То, что передаётся им от артиста. Всегда. Даже без помощи символов.
Administrator: Отсюда Футуристическую версию "Гамлета" покажет Театр имени Ермоловой ... Для Саркисова это не первая постановка шекспировского произведения, он уже ставил "Кориолана", "Юлия Цезаря", "Виндзорских проказниц" и "Укрощение строптивой". Главные роли в его новом спектакле играют несколько составов. Большинство актеров - из труппы Ермоловского театра, но есть и приглашенные. В постановке заняты Андрей Ильин / Клавдий/, Агриппина Стеклова /Гертруда/, Кристина Асмус / Офелия/ и другие. ...
полная версия страницы